David Cronenberg es más que un maestro del horror corporal, sostiene el autor

David Cronenberg ha emocionado y aterrorizado al público durante más de 50 años. Pero como testifica la autora Violet Lucca en David Cronenberg: Clinical Trials, el cineasta canadiense ampliamente considerado como un maestro del terror es también una especie de autor incomprendido con mucho más en mente que simples conmociones profundas al sistema. Desde sus primeras películas de terror de bajo presupuesto, Shivers y Rabid, hasta la ciencia oscura y retorcida de Videodrome y Scanners, y las tragedias increíblemente tiernas y brutales de Dead Ringers y Crash. El director ha utilizado su vocabulario visual hiperbólico como vehículo para investigaciones sociológicas y psicológicas matizadas.

Con su libro ricamente ilustrado, Lucca nos ha brindado el análisis crítico más completo del trabajo del director hasta la fecha, presentando la carrera de Cronenberg como algo más que el trabajo de un maestro del “horror corporal”, un término que ella considera reduccionista y desdeñoso. En lugar de ser un buscador superficial de emociones fuertes, Lucca localiza en la obra de Cronenberg el espíritu de un moralista y crítico social con inclinación por el gore, y escribe que sus películas pueden abordarse a través de varios puntos de entrada críticos: como advertencias sobre la demagogia en la era de el progreso científico, o la disolución del Incluso cuando nos enfrentamos a un mundo trastornado por el dinero y el deseo.

Lucca, exeditora digital de Harper’s que ha escrito para The New York Times y Sight and Sound, se sintió atraída por primera vez por el trabajo del director cuando estudiaba en la Universidad de Iowa, “porque su trabajo tenía la misma apertura, ambigüedad y desenfreno”. ” como el cine de autor europeo de mediados de siglo que estaba estudiando en ese momento.

En su introducción se refiere al “maravilla y terror” que negocian los personajes de sus películas. “Muchas de las películas de Cronenberg me parecen profundamente tristes”, dice. “Existe una enorme soledad que realmente me afecta”.

Una película que Lucca cita como ejemplo de esta extraña melancolía: la adaptación de Cronenberg de la novela Crash de JG Ballard de 1996, en la que un productor de cine que es víctima de un terrible accidente automovilístico se encuentra con un grupo de fetichistas excitados por los accidentes automovilísticos. Es el manejo sensible, casi tierno, del material por parte de Cronenberg lo que humaniza la película; Su enfoque sonoro es más catártico que explotador.

“El sexo y la violencia han estado inextricablemente vinculados desde el comienzo de su carrera, ya sea que veas Stereo, un pseudodocumental en blanco y negro de 65 minutos de 1969, o Crash”, dice Lucca. “Sí, su uso del sexo y la violencia son provocaciones. Pero también son un medio para ser más honestos acerca de quiénes somos: carne que sangra, carne que es deseable. Siento que su enfoque del sexo fue más revolucionario, especialmente porque se considera el mayor tabú en términos de la MPAA”.

En la primera mitad del libro, Lucca presenta algunas de las películas de Cronenberg a lo largo de un mapa del subconsciente, de modo que “Dead Ringers” de 1988, la historia de una interdependencia mortal entre gemelos, se convierte en un ejemplo de la teoría del subconsciente de Carl Jung. “Anima” y “Animus” hablan del deseo de los gemelos de reconciliar sus lados masculino y femenino, y “The Fly” de 1986 se convierte en una especulación sobre si la enfermedad Algo puede cambiar tu propia identidad. Lucca no necesita que estés de acuerdo con ella: sólo quiere que la escuches.

“Estas películas son tan ricas en subtexto que puedes abordarlas de muchas maneras”, dice Lucca. “Quería superar la rareza superficial de una película como Naked Lunch y descubrir qué más están tratando de decirnos”.

Para Lucca, los desórdenes anatómicos típicos de Cronenberg – todos esos órganos, entrañas e intestinos viscosos y mutados que rezuman de sus personajes como juguetes resbaladizos – son la forma en que el director expresa los miedos de un personaje: el cuerpo en descomposición como metáfora del desequilibrio espiritual. “Cronenberg toma estas preocupaciones que todos tenemos y las procesa de una manera fantástica que nos hace vernos a nosotros mismos de una manera nueva”, dice Lucca.

Los críticos tienden a trazar una línea dura entre las primeras y directas escabrosas películas de bajo presupuesto de Cronenberg y las meditaciones psicológicas más sofisticadas y menos sangrientas, comenzando con “A History of Violence” de 2005, que rechaza esta categorización y encuentra la razón. Las mismas preocupaciones por el problema mente-cuerpo y el rompecabezas de la identidad a lo largo de toda la carrera de Cronenberg. Existence, de 1999, por ejemplo, es una película profética sobre nuestra singularidad tecnológica que avanza rápidamente y que es un videojuego que penetra directamente en la columna vertebral. También está el arquetipo clásico de Cronenberg: el gurú de la tecnología que obstinadamente vende el progreso científico como la salvación de la humanidad, pero que en realidad está consumido por su propio mesianismo codicioso. En este sentido, las películas de Cronenberg son alegorías increíblemente proféticas de nuestro actual tecverso y de especuladores proselitistas como Sam Altman y Elon Musk.

David Cronenberg comenzó sus proyectos de escuela de cine a principios de la década de 1970 y comenzó con proyectos que incluían agudas críticas sociales en narrativas amenazadoras. Su visión radical surgió de una industria cinematográfica canadiense emergente que todavía intentaba afianzarse en el mercado global a principios de los años setenta. Los esfuerzos iniciales de Cronenberg fueron financiados por inversores privados que buscaban aprovechar generosos subsidios gubernamentales y exenciones fiscales: el capital de bajo riesgo permitía una creatividad de alto riesgo. A cambio, Cronenberg se convirtió en una estrella y dio ejemplo para el cine canadiense en Estados Unidos y más allá.

En ese momento, Cronenberg también comenzó a reunir a su equipo de colaboradores de larga data: el compositor Howard Shore, la diseñadora de producción Carol Spier y un pequeño grupo de actores canadienses, muchos de los cuales han aparecido en varias películas de Cronenberg. “El hecho de que esté rodeado de personas en las que puede confiar y que comprenden su visión influye definitivamente en la forma en que Cronenberg hace sus películas”, dice Lucca. “Todos desarrollaron la taquigrafía que ayuda a evitar pasar días con un presupuesto de producción ajustado. Pero también hay una continuidad en la apariencia de las películas. Carol Spier es responsable de gran parte de la sensación de la paleta visual de Cronenberg”.

Al igual que Stephen King, otro artista que utiliza tropos de terror para explorar verdades más profundas sobre la condición humana, Cronenberg está subestimado porque a menudo trabajó dentro de los límites de la narración de género. El libro de Lucca desmiente este malentendido. King es un gigante literario que será leído mucho después de que deje de escribir y, si es necesario, las películas de Cronenberg también sobrevivirán. “El hecho de que algunos críticos y audiencias sigan ignorando las películas de Cronenberg es sólo un testimonio de su poder y necesidad”.