Tom Johnson, compositor y crítico cuyas columnas de Village Voice documentaron el renacimiento de la música de vanguardia en el centro de la ciudad de Nueva York en la década de 1970 y cuyas propias composiciones encarnaban el minimalismo y la claridad matemática, murió el martes en su casa de París. Tenía 85 años.
Su esposa y única sobreviviente inmediata, la artista de performance Esther Ferrer, dijo que la causa fue un derrame cerebral después de un enfisema prolongado.
Johnson era un joven compositor de Nueva York con poco dinero en 1971 cuando se dio cuenta de que los medios de comunicación locales no cubrían las emocionantes actuaciones que escuchaba en el centro. Se ofreció a escribir sobre la escena musical contemporánea para The Voice y pronto comenzó una columna semanal.
Fue un momento oportuno: galerías de arte, lofts y lugares como The Kitchen albergaban conciertos de jóvenes experimentales como Steve Reich y Meredith Monk, y Johnson se convirtió en el principal cronista de la escena emergente.
“Nadie se dio cuenta entonces de que estaba surgiendo uno de los géneros de música electrónica más importantes del siglo, un género que pasaría a ser conocido como minimalismo americano y encontraría imitadores en todo el mundo”, escribió en su última columna en Voice en 1983.
Documentó el ascenso del minimalismo musical, incluida la transformación del compositor local Phil Glass en un fenómeno internacional, pero también documentó obras radicales de figuras menos conocidas: Yoshi Wada, que cantaba con enormes flautas; Jim Burton, que reforzó las ruedas de las bicicletas; y Eliane Radigue, quien creó espeluznantes drones en un sintetizador.
“Aprendí algunas cosas interesantes sobre los gongs en un concierto en Center Street el 30 de mayo”, escribió Johnson sobre un espectáculo de 1973 del joven compositor Rhys Chatham. “Que los gongs tienen muchos tonos diferentes, la mayoría de los cuales no suenan. mucho sentido en términos de la serie de armónicos; que surgen diferentes tonos según cómo se golpee el gong; que cuando un gong sube en crescendo, un sonido maravilloso y agudo fluye en la habitación; que los fuertes gongs hacen vibrar el suelo de una manera especial y cargan extrañamente el aire; “Escuchar los gongs tocar solo durante más de una hora es una experiencia extraordinaria”.
Al describir acontecimientos tan extraordinarios en prosa observacional y práctica, Johnson dio a los lectores de todo el país acceso a actuaciones a las que tal vez solo hubieran asistido una docena de oyentes y que tal vez nunca más se volvieran a escuchar. Se vio a sí mismo como un participante en la escena e informó tan generosamente que llegó a ser conocido entre los compositores como “Saint Tom”. Sus escritos, recogidos en el libro de 1989 “La Voz de la Nueva Música” ofrecer un retrato singularmente íntimo de una era musical apasionante; En una columna memorable, Johnson cantó en el coro en un ensayo de la innovadora ópera de Glass “Einstein on the Beach”.
Pero Johnson tampoco tuvo miedo de criticar conciertos que consideraba que no funcionaban conceptualmente, ni de tomar notas cuando se quedaba dormido. Algunas columnas asumieron riesgos formales. Una vez dedicó mil palabras a reseñar “una de las actuaciones más impresionantes que he oído jamás”: el trino de un ruiseñor en Long Island.
Fue uno de los primeros escritores en utilizar el término “minimal” para describir gran parte de la música repetitiva que escuchaba, y aplicó la palabra a sus propias composiciones, como la hipnótica obra de 1971. “Una lección de piano”. “Siempre he estado muy orgulloso de ello porque es la única palabra que realmente describe lo que hago”, dijo en una entrevista. Entrevista 2014. “Siempre he trabajado con materiales reducidos y he intentado hacer música sencilla”.
En la seca y posmoderna “Ópera de cuatro notas” de Johnson, un cuarteto canta arias tras arias, sólo en las notas A, B, D y E. El estreno en 1972 tuvo una audiencia de unas 10 personas; Desde entonces, la ópera se ha representado más de 100 veces. Para “Nueve campanas” (1979), caminó durante casi una hora entre una red de campanas de alarma colgantes, haciéndolas sonar en secuencias predeterminadas, una hazaña de precisión geométrica y esfuerzo físico.
En los años 1980 profundizó en las teorías numéricas de Euclides y los fractales de Mandelbrot en busca de nuevas estructuras musicales. Sus composiciones de este período incluyen: “Melodías racionales” una serie de encantadoras miniaturas construidas a partir de patrones simples y simétricos, y “The Chord Catalog”, una presentación metódica de dos horas de duración de los 8.178 acordes que se encuentran en una sola octava.
Aunque está respaldada por sus ejercicios matemáticos, la música de Johnson es inquietante y comprensible (y a menudo deliberadamente predecible) en lugar de abstrusa. “Hay algo particularmente satisfactorio en los proyectos donde la lógica (la música) parece surgir naturalmente de un descubrimiento fuera de mí mismo, y donde todo se combina con un mínimo de manipulación (en la composición)”, dijo una vez. escribió.
Thomas Floyd Johnson nació el 18 de noviembre de 1939 en Greeley, Colorado, una pequeña comunidad agrícola. Sus padres, Harold Francis Johnson e Irene (Barber) Johnson, eran profesores.
Cuando tenía alrededor de 7 años, Tom comenzó a tocar el piano de forma intermitente y descubrió su pasión por la música a los 13 años bajo la tutela de una profesora de piano local, Rita Hutcherson, quien también lo animó a componer.
Aunque muchos de sus compañeros de estudios asistieron a universidades cercanas, la Sra. Hutcherson instó al Sr. Johnson a postularse para la Universidad de Yale, donde recibió una licenciatura en arte en 1961 y una maestría en música en 1967. Como estudiante, tomó un seminario con el renombrado compositor universitario Elliott Carter y profundizó en la composición dodecafónica, la lengua franca de la academia de música, pero descubrió que, en cambio, se dedicaba a la repetición y a una complejidad cerebral estancada. En 1967, se mudó a Nueva York para estudiar en privado con el compositor experimental Morton Feldman, quien lo ayudó a encontrar su voz artística.
Después de documentar la escena de Nueva York para “The Voice”, pero tener dificultades para interpretar su propio trabajo, Johnson se mudó a París en 1983, donde le esperaban nuevas oportunidades a medida que el público europeo se sentía atraído por la vanguardia estadounidense. Allí siguió siendo un escritor prolífico y teorizó sobre su propia música en varios libros. Desde la década de 1970 ha publicado sus propias partituras y ha mantenido una presencia activa en la web con una Serie de vídeos Explicación de su música.
Sus principales obras incluyeron la satírica “Ópera de Riemann” basada en extractos de un famoso léxico musical alemán, que ha tenido más de 30 representaciones; y un oratorio más serio basado en los escritos del disidente alemán Dietrich Bonhoeffer. Pero gran parte de la producción de Johnson siguió siendo decididamente abstracta, incluida una obra orquestal que representa una progresión de 360 acordes y una serie de piezas recientes que exploran sistemáticamente varias combinaciones rítmicas.
El matrimonio del Sr. Johnson con la coreógrafa Kathy Duncan terminó en divorcio. Se casó con la señora Ferrer en 1986.
Una de las composiciones del Sr. Johnson se ha convertido en canon en la comunidad del contrabajo: “Fallido” (1975), un ejercicio increíblemente difícil y divertido en el que se le pide a un solista que haga una reverencia en pasajes complicados mientras lee un texto largo que comenta de manera autorreflexiva la música. “Todas estas piezas tenían que ver con hacer música en la vida real”, dijo Johnson sobre trabajar en una Entrevista 2020. “Quería que el actor enfrentara una situación desconocida y la procesara lo mejor posible en un contexto único”.
